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events 27 février 2023 2023-02-27T18:00:00+02:00 Pierre Lévy est professeur du CNAM, titulaire de la Chaire design Jean Prouvé, et membre du Dicen-IDF (EA 7339). Il a vécu pendant de nombreuses années au Japon et aux Pays-Bas, où il a travaillé sur une perspective culturelle et philosophique japonaise en design, et sur une approche globale portant sur les pratiques transformatives (Transforming practices - TP). En menant une réflexion basée sur des concepts culturels et philosophiques japonais, qu'il travaille dans une perspective constructive pour la pratique du design, son intervention proposera une perspective originale sur le moment du design vis-à-vis des pratiques du quotidien, en s'intéressant notamment à l'irrégularité comme opportunité sociétale et à l'appropriation comme moment de création située du quotidien.

events 16 septembre 2022 2022-09-16T09:30:52+02:00 'La nature convertie en motif est bien plus belle que la nature telle qu'elle est donnée.' Cette phrase surprenante qu'écrit le japonais Yanagi Soetsu, intellectuel et fondateur du mouvement d'artisanat populaire (mingei), nous invite à réfléchir sur la place du motif dans la culture esthétique japonaise. Cette réflexion nous permettra de discuter une perspective japonaise du beau dans l'artisanat et le design, notamment en abordant les notion de vide, d'irrégularité et d'ainsité.

Transcription de la leçon inaugurale Le moment du design Leçon inaugurale de la Chaire de Design Jean Prouvé, 18 mai 2022 Merci Ruedi pour cette introduction chaleureuse. Ton parrainage de la chaire ne peut être qu’un bon présage pour ce qu’elle peut et va devenir. Cher administrateur général, cher Marc, cher Jean-Claude, chers collègues, chers amis, chère famille, chers auditeurs présents ici ou quelque part en ligne, c’est un grand plaisir de pouvoir débuter cette leçon inaugurale aujourd’hui au CNAM. Nous avons décidé, Lucie et moi, de faire nos leçons inaugurales ensemble, car il nous a semblé opportun de souligner la proximité et la complémentarité de nos sujets et de nos façons de faire, et de célébrer ce que le CNAM est pour tous : un lieu d’apprentissage et de développement, et aussi un lieu d’échange et de partage interdisciplinaire et intermétiers. Cela impose également que nos leçons soient chacune d’une quarantaine de minutes chacune, afin que tout cela reste une célébration et un moment agréable, et que ça ne devienne pas un supplice pour vous. Alors commençons tout de suite. 1. Jean Prouvé // où le design s’inscrit dans un historique sur le matériau, le faire, la société et l’attachement au quotidien C’est un événement pour une chaire de design et un honneur pour son titulaire que le nom de Jean Prouvé y soit associé. Et je voudrais particulièrement remercier Mme Catherine Prouvé, pour sa présence aujourd’hui et pour son aide précieuse afin que cette association soit devenue une réalité. Cette association s’inscrit bien sûr dans la filiation des chaires au sein de CNAM – et en particulier entre la Chaire d’arts appliqués aux métiers dont Jean Prouvé a été titulaire de 1958 à 1971 et celle de design Jean Prouvé qui démarre symboliquement aujourd’hui. Mais cette association joue également le rôle de médiation, permettant un moment de dialogue et de revendication sur ce qu’entend être la Chaire de design Jean Prouvé. Je propose donc dans cette première partie de discuter de cette filiation, non dans une perspective historique, mais plutôt pour y trouver une inspiration de ce que peut être une Chaire de design au CNAM aujourd’hui, dans la société actuelle, avec ses propres défis sociaux, économiques, technologiques, et bien sûr écologiques. Au lieu de regarder dans le rétroviseur trop longtemps, il nous faut surtout voir cette filiation comme un moyen de regarder devant, et de nous aider à réfléchir sur ce qu’il y a à faire ici et maintenant en vue d’un futur qu’il nous faut encore imaginer et fabriquer. 1.1 Un parcours À mes yeux Jean Prouvé incarne un positionnement essentiel du design. Jean Prouvé a été ferronnier d’art, ingénieur (autodidacte), designer (autodidacte), architecte (autodidacte), résistant, acteur du programme de reconstruction français d’après-guerre, maire de Nancy, associé à l’Abbé Pierre pour la création d’une Maison des jours meilleurs. Venant de la ferronnerie traditionnelle, il a contribué à poser un regard moderne sur les matériaux, sur les formes et sur les usages. Son attachement à une conception pour l’usage et à destination de tous, et en particulier des plus modestes, en fait un acteur important d’après-guerre pas uniquement pour le monde de l’architecture et du design, mais pour la société dans son ensemble. Et à ce titre, Jean Prouvé place le design là où on le veut : un acteur sociétal, producteur de propositions ingénieuses d’arrangements matériels dont la valeur émerge de leur utilisation et de leur potentialité de transformation. En d’autres termes, la valeur est à chercher du côté de l’appropriation des propositions du designer et de leurs conséquences pour la société. Il s’agit donc de travailler sur ce que j’appelle la « contexture » des environnements dans lesquels nous évoluons, c’est-à-dire sur leur forme et leur texture. Je reviendrai plus tard de cette notion de contexture développée au cours de ma recherche. 1.2 Le faire, la réflexion, et la vision Par ailleurs, l’historien de l’art, architecte et sociologue Nils Peters, qui a réalisé une biographie sur Jean Prouvé1, nous rappelle que durant ses cours au CNAM, « Jean Prouvé n’était pas bavard, et préférait dessiner et visualiser ses idées sur le tableau noir. Ce qu’il montrait par ceci, fidèle à ses convictions, est que la pratique des théories était primordiale et que la connaissance acquise seulement académiquement ne pourrait guère inspirer de la créativité ». Il en va donc d’une attitude à l’égard de la relation entre la pratique et la théorie dans le domaine de la conception au sens large : celle d’étudier, de comprendre, et d’impliquer les évolutions scientifiques, technologiques, sociales, écologiques, et de leur trouver place dans la société au sein du quotidien de tous et de chacun. Le design se présente donc comme une pratique et une attitude, interrogeant les mondes possibles, afin, comme nous le propose les politologues Trevor Hancock et Clement Bezold2 d’avancer vers des mondes préférables. Le design n’est donc pas qu’une histoire de création d’artefacts, une offre marchande de trucs. Travailler ces futurs au travers du design demande que la pratique s’accompagne d’une réflexion sociétale, politique, éthique, écologique et que cette réflexion ait lieu en action, c’est-à-dire au cœur même de la pratique du design. Et là se trouve le premier aspect pour lequel la chaire de design se revendique dans la continuité de Jean Prouvé : une attitude à la croisée du faire, de la réflexion, et de la vision. 1.3 Au quotidien Cet attachement à l’exploration et à la compréhension puissante du matériau, de la technique et de l’esthétique qui peut s’en dégager sont au fondement de l’excellence de l’œuvre de Jean Prouvé, et résonnent avec l’école de Nancy qui s’efforce de revitaliser l’art, et de faire en sorte que la vie quotidienne en soit imprégnée. Cet environnement — ce que je nommerai plus tard cette tradition — a probablement contribué à faire de Jean Prouvé artisan d’art un Jean Prouvé explorateur de nouveaux matériaux et de nouveaux projets, avec une sensibilité forte pour le quotidien et une attention particulière apportée à la dimension sociétale de son art. Ce que l’architecte Jean Nouvel note aussi lorsqu’il dit, parlant de Jean Prouvé, que « rarement l’éthique a créé une beauté aussi claire »1. 1.4 Une posture sociétale Le design donc est une pratique, une attitude et une posture sociétale : celles d’abord de progresser dans l’incertitude, car le design est souvent dans une situation risquée où il doit agir en n’ayant qu’une information partielle ou approximative de son sujet ; celles ensuite de mener sans cesse une pratique réflexive pour continuer à s’ouvrir sur de nouveaux possibles ; et celles enfin qui font force de proposition pour une société et un quotidien, avec l’ambition qu’ils soient bienveillants pour chacun. Et là se trouve le deuxième aspect pour lequel cette chaire de design se revendique dans la continuité de Jean Prouvé : l’ambition que le design et les métiers d’arts soient à la fois des pratiques, une attitude et une posture sociétale au service de la transformation du quotidien de tous. 2. Le design // où le design est une attitude et une activité située et construite sur des ambivalences Nous avons donc établi la posture sociétale visée par le design, ou du moins visé par la chaire au travers de ses activités à venir. Mais la question du design reste entière, et même si la route est par expérience semée de nombreuses embûches, empruntons-là, au moins un peu. 2.1 Ce que fait le design En effet, la définition du design a toujours été une problématique difficile – une longue histoire de discussions intenses et de conclusions ratées – et donc une question jusqu’ici insatisfaite. Un article récemment écrit par la professeure en design Alethea Blackler et ses collègues3 fait état de vingt ans de discussions mondiales sur la définition du design sans véritable résultat consolidé. Par une stratégie assez populaire de nos jours, les auteurs nous invitent alors à réfléchir plutôt sur « l’importance du rôle du design dans la conversation mondiale sur les approches transdisciplinaires de la recherche et de la conception des scénarios futurs et des voies émergentes pour l’humanité ». Cette approche n’est à mon avis en rien satisfaisante, car encore une fois elle se détourne de la question du design. Or si à défaut de ne pouvoir déterminer ce qu’est le design, et sachant qu’il est au moins une pratique, une attitude et une posture, alors l’effort de clarification devrait se tourner vers ce que fait le design. 2.2 Le design est situé Cela peut partir d’un principe essentiel du design : celui de sa situation. J’entends par là que le design est situé : il trouve sa pertinence grâce à ce qu’il peut proposer comme arrangements potentiellement transformant. En d’autres termes, le design se perd et ne peut, ni même ne sait agir dans l’abstrait. C’est ici-bas, là où le vécu se déroule, là où le design se frotte à la matière, se cogne à l’expérience, que le design agit et établit sa pratique. Alors gardons cela en mémoire : le design est situé. 2.3 Le design est coloré Je reprends également avec intérêt la remarque formulée par le philosophe du design Johan Redström4, qui montre que le design est fondamentalement et historiquement structuré sur des dichotomies. Nous nous intéressons particulièrement aux relations dichotomiques entre méthodes et pratiques, entre quotidien et enjeux globaux, entre arts et industrie, pour n’en citer que quelques-uns. Ces dichotomies sont des lieux de frictions, ce que je nomme en m’inspirant des écrits du penseur japonais Yanagi Soetsu des irrégularités5,6, et je reviendrai plus tard sur cette notion, qui invite le design à questionner en permanence son positionnement et son action. La pratique du design est donc fondamentalement réflexive. Comme pratique située dans un contexte complexe, cette réflexion portant – comme nous l’avons déjà vu – sur ce qu’il fait, le design ne trouve pas non plus de réponse définitive. Cette réponse est toujours changeante. En cela, le design est insaisissable. Autrement dit, et en complétant les propos de Johan Redström par ceux que j’ai proposés avec les professeures Ambra Trotto et Caroline Hummels, et nos collègues au travers des Pratiques Transformatives7, il est complexe et coloré, c’est-à-dire riche de sa variété de pratiques ; il est résilient et apprenant, engagé et transformant. 2.4 L’attitude Dans sa pratique, le designer engage des savoirs, des savoir-faire, et une attitude. Dans cet engagement, il lui importe d’effectuer un travail de qualité comme fin en soi – c’est ce que nous indique le sociologue Richard Sennett8. Il lui importe de faire appel et avoir confiance en ses sens et son imagination, en son intuition et sa curiosité – c’est ce que nous rappelle le professeur en design Kees Overbeeke9. Il lui importe finalement de faire appel à ses compétences et ses connaissances soit pour faire (c’est-à-dire travailler et dialoguer avec la matière), soit pour penser (c’est-à-dire travailler et dialoguer avec des idées). 2.5 L’instabilité durable Plongé dans les pratiques tel qu’elles sont vécues et tel qu’elles se réalisent, le design s’intéresse et se situe de plus dans un monde complexe. Il fait, questionne, réfléchit, ouvre vers des possibles, sans jamais mettre de côté l’ambiguïté et l’incertain… ce qui lui résiste en somme, le monde tel qu’il est vécu. Il avance, et progresse donc dans une forme d’équilibre qui n’est en fait qu’apparente. Elle est formée par une multitude de déséquilibres temporaires. Caroline Hummels et moi-même avons nommé cela l’instabilité durable du design, qui qualifie donc la dynamique dans laquelle le design travaille. Les déséquilibres sont des moments de changements potentiels de la pratique : les réflexions en action et sur l’action permettent le changement, nécessaire pour maintenir une cohérence dans la pratique, nécessaire à l’apprentissage et au développement se faisant au travers de la pratique10. Il apparaît donc pertinent de faire appel à la phénoménologie, et plus généralement aux philosophies que l’on rassemble autour de la notion d’embodiment. Pour être bref, ces philosophies montrent que nous percevons le monde en interagissant avec lui. Cette perception, fondamentalement active, nécessite un corps et des compétences. Nous percevons le monde par la potentialité de nos actions (ce que l’on peut faire), et en interagissant avec lui (par ce que l’on fait). Il y a donc une primauté du corps sur l’action, et une primauté de l’action, ou du moins du potentiel d’action sur la cognition, ce qui n’évacue en rien l’importance de la symbolique dans l’expérience humaine (aux niveaux esthétiques, sociaux et culturels). 2.6 L’anthropologie symétrique Voilà, de façon synthétique, nous avons donc vu que le design est une pratique dont la perspective est à la fois individuelle et collective, sociale et politique, transformatrice et virtuose de la complexité et des normes. Il questionne comment les arrangements matériels qu’il propose peuvent transformer les pratiques, celles des autres et la sienne, et dans un mouvement complémentaire comment ces pratiques sont le moment11 d’une appropriation des propositions faites par le design. Le design est alors porteur de sens venant potentiellement modifier le contexte dans lequel les personnes et les pratiques évoluent. Il est donc une médiation rendant possible la transformation, en donnant à l’action et à son acteur la possibilité de discerner et de penser sa condition et ses possibles, qu’il s’agira par la suite de sélectionner et d’approprier. En design, il est donc question de ce que nous pouvons faire de nos environnements personnels, sociaux, écologiques… et de ce que ces environnements font de nous. Une forme d’anthropologie symétrique. On se pose donc ici la question de l’esthétique et de l’éthique des contextes dans lesquels nous vivons et dans lesquels les pratiques performent. C’est ce que j’ai nommé dans mon travail d’HDR la contexture, la texture du contexte de nos pratiques5, qui permet la transformation de ces pratiques au travers de la médiation du design. 3 Une perspective // où la tradition, l'irrégularité et le moment viennent structurer un design sociétal Le paysage du design ainsi décrit, il me semble maintenant important d’avancer dans cette leçon en positionnant la chaire et son travail dans ce paysage. Pour cela, nous devons prendre parti, c’est-à-dire que nous devons structurer et formuler une approche et une perspective à partir desquelles nous travaillerons. Et c’est principalement de la perspective que je propose pour la chaire que je vais maintenant développer. 3.1 Les métiers d’art 3.1.1 Le maniement Pour commencer, il faut souligner la proximité du design aux métiers d’art. Déjà certes de façon institutionnelle – ce qui est le cas particulièrement ici dans la relation étroite construite entre le cnam et les lycées et les écoles des métiers d’arts et du design –, mais également parce qu’ils sont tous les deux socialement situés et engagés pour la proposition d’un beau à valeur sociétale au travers de l’usage et de l’utile. Et il faut en effet rappeler brièvement que la contemplation des œuvres produites par les métiers d’art n’est pas suffisante pour les apprécier. C’est au travers de leur maniement que leur matérialité s’exprime et se dévoile. C’est au travers de leur maniement que leur utilité et leur valeur prennent sens. Tout comme pour le design, c’est donc au travers de leur maniement que leur esthétique se découvre pleinement. Si les métiers d’art ont un rôle social en tant qu’œuvres12, c’est bien que cette matérialisation du beau au travers de l’utile et du durable a une pertinence sociétale et écologique, ce dont notre époque a bien besoin. 3.1.2 La qualité À côté de cela, le développement de l’industrie, c’est-à-dire de la production segmentée, mécanique et informationnelle, laquelle a permis un développement et des innovations impressionnantes au cours des derniers siècles – et le CNAM en est riche d’exemples et d’expériences –, lance également un défi à la production des arts appliqués et à l’importance de la qualité et de l’œuvre dans le quotidien. Et ne nous y trompons pas, l’industrie est nécessaire pour servir une population qui continue de s’accroitre (cher Ruedi, ne discutons-nous pas de 10 milliards d’humains13!). Et c’est le rôle du concepteur (qui dans l’imaginaire peut-être un ingénieur ou un designer, et qui dans la réalité est un groupe multidisciplinaire, multiculturel, multimétier de personnes qui ensemble conçoivent et produisent) de projeter des propositions pour aller vers un monde préférable. Et dans ce souhait, la qualité de l’arrangement matériel proposé ne peut être absente. Raisonnons par l’absurde et nous verrons rapidement l’absurdité d’un monde qui douterait de la nécessité du beau. Il revient donc aux artisans d’art, aux designers et aux ingénieurs, de non seulement garder le geste et la tradition qui permettent une création de qualité, mais aussi de renforcer celle produite par la machine. Que la fabrication profite des compétences, de la sensibilité, de l’attitude de l’artisan d’art afin d’améliorer la machine, son utilisation, et ses livrables ! Il revient alors à l’artisan d’art de ne pas se distancier de la production industrielle, mais bien au contraire, et je pense à l’instar de Jean Prouvé, de contribuer à son usage afin d’améliorer à la fois le métier qui intègre la machine dans sa pratique et la qualité de ce qu’elle produit. Et nous verrons plus tard l’exemple du designer textile Minagawa Akira qui illustre magnifiquement cette situation. Pour avancer, je vais porter notre regard sur trois aspects relatifs et communs aux métiers d’art et au design, dont j’ai déjà parlé, et qui me semblent fondamentaux pour la structure et la conduite de la chaire : la tradition, l’irrégularité, et le moment. 3.2 La tradition Il faut bien être conscient que les métiers d’arts fabriquent des objets de très grande qualité parce que l’exigence du métier le demande et parce que son environnement le permet. 3.2.1 L’exigence L’exigence de la profession le demande, car celle-ci est sensible à la beauté de l’œuvre et de son maniement, et en revendique l’importance. Elle reconnaît le talent, bien sûr, mais n’en demande pas moins une attitude. 3.2.2 L’environnement Son environnement le permet, car c’est lui qui porte la tradition dans laquelle s’inscrit le métier d’arts. La notion de tradition que j’utilise ici est directement inspirée des écrits du penseur japonais Yanagi Soetsu, qui le décrit comme un environnement constitué d’une culture, d’une dynamique collective, et d’une vitalité centrée sur un savoir-faire. Une tradition n’est en rien statique. Bien au contraire elle se nourrit de ses expériences et des quotidiens individuels pour continuer à faire évoluer la collectivité. Pour revenir au métier d’art, même si son exécution est parfois individuelle et que celui-ci trouve une certaine liberté d’action et de création dans son atelier, la pratique au sens large, elle, est plongée dans un environnement culturel et socio-économique qui lui permet d’exceller. Le métier d’art trouve sa force et son excellence parce qu’il s’inscrit dans une tradition. Yanagi14 nous apprend justement que la beauté et la grandeur produites des mains de l’artisan d’art ne sont pas du simple fait de ses propres compétences (le pouvoir individuel), mais aussi de ce que son environnement lui apporte (le pouvoir au-delà [de la maîtrise individuelle]). 3.3 L’irrégularité Avant de continuer, je voudrais faire une petite parenthèse sur la philosophie japonaise, qui s’est développée à la croisée de la pensée bouddhique et de la phénoménologie15. Ayant passé environ 10 ans dans ce beau pays qu’est le Japon, dont mes années de recherche doctorale, cette philosophie, ainsi que la pensée japonaise en général, m’a beaucoup inspiré et aidé à réfléchir sur notre relation affective au monde tel qu’il est vécu, et sur l’expérience de la beauté dans les pratiques du quotidien. Les références à la littérature japonaise que je vais citer ici sont donc fondamentales dans la construction de ma réflexion sur le design et sur le quotidien. Pour projeter cette parenthèse au-delà de ma propre expérience, j’espère pouvoir donner ici une nouvelle dimension à la coloration du design. Rappelons-nous le design est coloré, riche d’une grande variété de pratiques. Il est également riche d’une grande variété de cultures, ce qui se reflète mal dans la littérature et le discours du design actuel, très teintés de culture occidentale. Opérer un décentrage culturel du design, par son exposition à des visions du monde basées sur d’autres pensées et cultures, peut permettre un élargissement de la vision du monde par lequel le design opère. Ce positionnement manifestement post-colonial envisage la formation de perspectives et d’approches plus pertinentes pour des sujets auxquels le design peut contribuer de façon effective. Il va sans dire que la chaire soutiendra cet effort d’enrichissement culturel du design, bien au-delà de celui proposé par la culture japonaise.   Revenons donc aux métiers d’art et au design, qui reconnaissent la force et l’importance du geste dans ce qu’il exprime d’humain, dans ce qu’il exprime au travers de son imperfection. Pour comprendre l’enjeu de cette notion – l’imperfection –, reprenons la notion de perfection et de ce que nous en dit Yanagi Soetsu14. Il la décrit comme une fermeture puisqu’il n’y a plus rien à changer. C’est parfait ! Elle est statique et finale, sans horizon de transformation possible. La fin de l’histoire. L’absence de liberté. À elle s’oppose l’imperfection, qui invite au changement, à une possibilité de transformation, et donc à une forme de liberté. Mais Yanagi ne se satisfait toutefois pas de cette forme de liberté, qui est en fait l’obligée de l’imperfection, elle-même posée par opposition à la perfection. Il nous invite alors à dépasser cette dichotomie affirmant que ce qu’il appelle la « beauté vraie » (奇数の美 – kisuu-no-bi) est dans une totalité non-dualistique – nous évoluons ici dans une pensée bouddhiste. Il suggère alors que cette beauté émerge de ce qu’il appelle l’irrégularité (歪み – yugami), lorsque l’imperfection s’identifie à la perfection et qu’il « demeure quelque chose d’inexpliqué » (不定形 – futei-kei). Yanagi l’exprime ainsi14 : « L’amour de l’irrégulier est le signe d’une quête fondamentale de liberté ». 3.3.1 Le geste Une telle irrégularité peut être l’expression du geste, celui de l’artisan d’art par exemple. Mais il nous faut penser également l’outil et l’usage, autres moments d’interaction et d’appropriation. 3.3.2 L’outil Hamada Shōji, grand céramiste japonais devenu Trésor national vivant en 1955, avait un four capable de contenir environ dix mille pots. Quand il lui a été demandé le besoin d’un tel four, il a répondu qu’il serait en mesure de contrôler complètement un four de plus petite taille, et qu’il en serait alors le maître et le contrôleur. Avec ce grand four, le « pouvoir individuel » s’affaiblit si bien qu’il ne peut pas maîtriser le four, et que ce qu’on avait appelé le « pouvoir au-delà » est nécessaire pour obtenir une bonne pièce16. Il veut donc travailler avec une grâce venant de ce pouvoir au-delà, et non vers une perfection que sa maîtrise imposerait. Cette idée de pouvoir au-delà et d’irrégularité, chère à la beauté et à l’éthique exprimée par Yanagi, se retrouve également dans le travail de Minagawa Akira. Minagawa pousse la broderie industrielle aux limites de ses capacités mécaniques, afin de fabriquer des imperfections implanifiables et à priori inattendues, c’est-à-dire une forme d’irrégularités, source d’une beauté unique et poétique. Minagawa nous dit lui-même : « je veux que le tissu transmette la sensation que j’expérimente moi-même lorsque je fais des croquis. Les motifs brodés que je crée n’utilisent pas seulement le fil pour coudre le motif, ils réalisent un relief en trois dimensions par chevauchement des points de couture les uns sur les autres, perçant le tissu aléatoirement tout en restant fidèles à la lumière et à l’ombre de mon ébauche originale. Cette façon de faire de la broderie sans règle fixe donne la sensation de lignes dessinées à la main. » Chez Minagawa, comme chez Hamada, c’est le couple designer-outil qui rend possible cette irrégularité en tant que nouvel artisan inscrit à la fois dans une tradition (céramique ou textile) et dans l’ingénierie industrielle. Il y a quelques années, j’ai eu l’occasion d’explorer encore cette relation designer-outil au cours d’un projet avec l’un des étudiants, Yamada Shigeru, que j’accompagnais pour son diplôme de master à l’Université de Technologie d’Eindhoven. Nous avons fabriqué des objets de la cérémonie du thé japonaise en impression 3D basée sur des modèles paramétriques. Il s’agissait pour nous de travailler sur la vitesse d’impression de la machine pour que sur celle-ci s’associe avec un pouvoir au-delà. Ces objets ont été imprimés à la vitesse standard, puis 2, 3, 4, 6 fois plus vite. L’évaluation faite par plusieurs maîtres du thé nous a permis de conclure que l’objet imprimé à une vitesse d’impressions doublée rendait justement une esthétique de l’irrégularité appréciée par ces maîtres du thé17. 3.3.3 L’usage Mais cette irrégularité, si elle offre la liberté et la possibilité de transformation, doit également se manifester dans l’expérience de l’utilisateur. Sans cela, le quotidien serait un vécu sans étonnement, sans possibilité de changement et donc sans liberté. Pour que le quotidien vaille la peine, il faut que ce que le philosophe Bruce Bégout appelle le processus de quotidianisation18 soit accompagné d’irrégularités se logeant dans l’habituel ou dans l’attendu, ce que George Pérec appelle l’endotique19. Et alors le quotidien devient un moment en évolution permanente, et un espace d’imagination, de création et de liberté. Si l’on s’intéresse à l’irrégularité dans l’usage au quotidien, nous vient alors trois concepts que je n’aurai malheureusement pas le temps de développer aujourd’hui, au travers desquels nous pouvons observer cette irrégularité : dans la qualité structurelle et physique de l’objet, nous parlerons de micro-considération, concept proposé par le designer Fukusawa Naoto20 ; dans ses qualités interactionnelles, nous parlerons de micro-friction, concept proposé par la professeure en design et interaction homme-machine Anna Cox21 ; et dans ses qualités expérientielles, nous parlerons de détails (es)sentiels22, concept que j’ai développé conjointement avec Eva Deckers et Michael Restrepo il y a une dizaine d’années. 3.4 Le moment du design, le moment de l’usage Il y a donc deux moments dans lesquels l’irrégularité peut offrir des opportunités de transformation : le moment du design et celui de l’appropriation. Et c’est sur ces deux notions que je voudrais conclure cette réflexion sur le design. 3.4.1 Le moment du design Ces deux moments donc, celui du design et celui de l’appropriation sont des moments de création. Et l’artefact, proposé puis approprié, fait lien entre ces deux moments. Pour le design, c’est donc un rôle essentiel, social et humaniste que de proposer les conditions pour la création au sein de l’usage, c’est-à-dire pour l’appropriation. La position que je prends dans les projets et dans la recherche est de défendre et structurer cette idée précise selon laquelle le designer doit penser l’humain essentiellement par sa capacité d’appropriation et de création de son environnement, et par sa capacité de réflexion et de prise de décision responsable. Chose qui n’est pas triviale et pas toujours partagée quand on entend ce qui est prescrit suite à des « tests utilisateurs » ou sous le nom parfois malheureux de « bonne pratique utilisateur ». Pour cela il faut deux choses. L’une a déjà été longuement discutée. Il s’agit bien sûr de l’irrégularité qui permet la réflexivité et le choix. L’autre est ce que j’appelle le vide artéfactuel, concept également inspiré de la philosophie japonaise, qui dénote l’espace d’opportunités offert à l’utilisateur. Le vide artéfactuel correspond donc à l’idée que l’artefact se doit d’ouvrir des possibilités d’appropriation, qu’il médiatisera via l’irrégularité. C’est dans ce vide artéfactuel que l’appropriation prend forme. Fidèle à l’histoire du design et des métiers d’art, la chaire revendiquera avec force cette proposition sociétale de ses pratiques et de leur production. Cette proposition se fonde sur les considérations premières de la capacité que chacun a de créer, de la nécessité d’un collectif et d’une tradition toujours en évolution pour avancer ensemble, et d’un impératif catégorique jonassien d’une vie sociale, écologique et responsable23. Consciente de produire et de disséminer des propositions dans un contexte complexe et au travers d’une pratique toujours en instabilité durable, la chaire continuera sans relâche à garder sa production ouverte au questionnement de tous, à commencer par elle-même. 3.4.2 En pratique En pratique, il s’agira d’abord de clarifier davantage le rôle et la manière du design dans le moment de sa propre pratique, hors et pourtant lié à celui du quotidien. Cet effort amènera à poser une pratique réflexive du design, et d’en questionner les implications anthropologiques, humanistes, sociales, écologiques, politiques et philosophiques. 4 Programme //où la chaire entend devenir un acteur sociétal par le design, pour la formation, la recherche, et l’engagement social Maintenant que nous nous sommes positionnés sur la pratique du design, il ne nous reste plus qu’à souligner les éléments programmatiques de la chaire. Au sein du CNAM, la chaire met en avant des démarches de formation et de recherche au travers du design, des métiers d’arts et de la culture. Elle a pour ambition de créer et développer des collaborations en formation, en recherche et en projet au sein du CNAM et hors du CNAM, en France, en Europe et à l’international. Elle ambitionne donc d’être une actrice d’un écosystème qui dépasse le CNAM et qui dépasse le design, et qui prendra pour horizon la possibilité d’une transformation sociétale du quotidien, au travers de celle des pratiques du design et des métiers d’arts. La chaire dialogue avec de nombreuses institutions de formation, et s’inscrit entre autres dans la dynamique du Campus des Métiers d’Arts et du Design. Une des visions majeures portées par la chaire tend à la confirmation d’un continuum possible tout au long de la formation initiale des métiers d’arts et du design, du CAP au doctorat, et de la formation tout au long de la vie. Une attention particulière à ce sujet, et chère à mes yeux, est portée sur l’idée fondamentale et très CNAMienne qu’il faut apprendre à apprendre. La chaire contribue à la recherche en design et dans les métiers d’art, de la culture et de la création, à l’intersection de considérations épistémologiques, artisanales et industrielles, sociétales et écologiques. Cette recherche est située et engagée au travers de la pratique. La chaire propose donc et promeut une recherche au travers de la pratique, c’est-à-dire une recherche impliquant la pratique dans l’activité de recherche, et non pas attenante à la recherche. Elle invite à des approches pragmatiques, basées sur une pratique réflexive10. La chaire s’engage de plus dans des projets dont l’apport sociétal est clair. Historiquement, les propositions du design ont toujours contenu une dimension politique, et la chaire entend porter cette considération au centre de ses questionnements et de ses travaux. Enfin, la chaire se veut constructivement provocatrice. Tout en questionnant et proposant des possibilités de transformations sociétales par les pratiques, elle s’attache à questionner ses propres questionnements, ses propres propositions et ses propres pratiques. 5 Aedh Wishes for the Cloths of Heaven Pour finir, je voudrais consacrer ce dernier moment pour remercier mes professeurs et collègues, ceux qui m’ont permis de m’inscrire petit à petit dans une tradition qui je crois a été décrite tout au long de cette leçon. C’est dans le cadre de cette tradition que j’ai évolué et grâce à laquelle je me tiens devant vous aujourd’hui. Et cette tradition s’exprime le mieux, je pense, par un poème de William Butler Yeat24. Je le reprends aujourd’hui, car il est devenu progressivement à la fois le symbole et l’expression de cette tradition pour nombre d’entre nous, et c’est profondément mon vœu que de pouvoir continuer à faire avancer cette tradition au travers de la Chaire de design Jean Prouvé. Had I the heavens' embroidered cloths, Enwrought with golden and silver light, The blue and the dim and the dark cloths Of night and light and the half light, I would spread the cloths under your feet: But I, being poor, have only my dreams; I have spread my dreams under your feet; Tread softly because you tread on my dreams. Si j'avais les voiles brodés du ciel, Ouvrés de lumière d'or et d'argent, Les voiles bleus et pâles et sombres De la nuit, de la lumière, de la pénombre, Je les déroulerais sous tes pas. Mais moi qui suis pauvre et n'ai que mes rêves; Sous tes pas je les ai déroulés; Marche doucement, car tu marches sur mes rêves.   Je vous remercie.     6. Bibliographie Peters, N. Prouvé. (Taschen, 2017). Hancock, T. & Bezold, C. Possible futures, preferable futures. Healthc. Forum J. 37, 23—29 (1994). Blackler, A. et al. Can We Define Design? Analyzing Twenty Years of Debate on a Large Email Discussion List. She Ji J. Des. Econ. Innov. 7, 41—70 (2021). Redström, J. Making design theory. (MIT Press, 2017). Lévy, P. Le temps de l'expérience, enchanter le quotidien par le design. (Université de Technologie de Compiègne, France, 2018). Lévy, P. Designing for the everyday through thusness and irregularity. in Proceedings of the International Association of Societies of Design Research Conference 2019, IASDR19 (Manchester Metropolitan University, 2019). Trotto, A. et al. Designing for Transforming Practices: Maps and Journeys. (Technische Universiteit Eindhoven, 2021). Sennett, R. Ce que sait la main: la culture de l'artisanat. (Albin Michel, 2010). Overbeeke, K. The aesthetics of the Impossible. Inaugural Lecture (Eindhoven University of Technology, 2007). Schön, D. A. 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Entre méthodes et pratiques en design - un moment d'apprentissage Pierre Lévy, professeur du CNAM, Chaire Design Jean Prouvé Je voudrais m'intéresser aujourd'hui à la place des méthodes et des pratiques en design, et décrire leur entre-deux comme un lieu de développement des pratiques, c'est-à-dire comme moment d'apprentissage réflexif sur la pratique. 1. Le design Le premier point d'attention porte sur la notion même de design et la façon dont il est décrit par la propre communauté de recherche en design. Un récent article (Blackler et al., 2021) propose une analyse de vingt ans de discussion sur l'une des listes de diffusion les plus actives et renommées dans le monde (PHD-DESIGN List, n.d.) et portant sur la définition du design. Sa conclusion est comme suit (traduit par l'auteur) : Malgré un discours robuste autour des perspectives pertinentes sur le design, les discussions de la liste sont et ont été répétitives, sans aucun progrès significatif vers une définition consolidée du design. […] Nous proposons qu'il n'est peut-être pas possible de définir le design de cette manière, et que le domaine devrait s'éloigner de la réitération et discuter de l'importance du rôle du design… (Blackler et al., 2021) On note déjà que la tentative de définir le design semble inaboutie, et les auteurs de l'article suggèrent que cette tentative est inévitablement vouée à ne jamais aboutir. Le design ne se laisse pas définir et il serait temps de passer à autre chose : au lieu de questionner ce qu'est le design (description de l'état), il semble plus judicieux de questionner le rôle du design (description de l'action). La résistance du design à la définition semble également être exprimée par Johan Redström (2017) lorsqu'il s'intéresse aux fondations du design (traduit par l'auteur) : Le design semble fonder son existence sur des complexités issues de dichotomies. De négocier la forme et la function. D'engager l'artisanat et ses compétences, et de travailler avec la production industrielle. De travailler avec des processus ouverts et d'être profondément engagé à la méthode. D'être centré-utilisateur et design-driven. D'être art et science. [...] Et le design peut aussi être remarquablement résilient et désireux de s'engager à tout cela, ce qui n'est ni blanc ou noir, mais complexe et coloré.[..] La raison pour laquelle on apprécie tellement les dichotomies en design est parce qu'elle permet d'adresser le conflit, la collision, et les contradictions, et d'ouvrir ainsi de nouvelles perspectives et potentiels. Ce que nous dit Redström est que l'on peut trouver la force du design (certains disent le pouvoir du design, nous dirons sa capacité d'action) au sein des dichotomies. C'est en effet dans la collision, la contradiction ou l'irrégularité (Lévy, 2018, 2019) que des opportunités nouvelles se créent et que des transformations sont possibles. Dans un entendement commun et global, c'est-à-dire sans friction, la transformation est bien moins probable. La première conclusion est donc ainsi : Le design est insaisissable, et c'est plutôt une bonne nouvelle ! La pratique réflexive ainsi que l'acceptation de plusieurs perspectives et de dichotomies semblent donc pertinentes pour le design. 2. Méthodes et activités Les méthodes en design sont essentielles pour la formalisation des processus de conception en design. Elles le sont donc dans l'enseignement puisqu'elles permettent de clarifier un cadre pour le projet et à l'apprenant d'appréhender des complexités précédemment discutées. Elles le sont dans la pratique professionnelle à la fois pour la gestion du projet et pour la communication du et autour du projet. Toutefois, les méthodes existantes, et nous prenons ici pour exemples le double diamant proposé par le Design Council (2019) et le Model MV proposé par Kees Dorst (2015), semblent s'attacher à une séquence ordonnée d'activités prédéfinies, séquence souvent contredite par la pratique. La pratique peut être plus fidèlement décrite par les actions situées qui la constituent. C'est ce que propose le Reflective Transformative Design Process (C. Hummels & Frens, 2009) qui propose une perspective effective autant pour la pratique elle-même du design que pour son enseignement. La description d'activités permet de cadrer la pratique sans pour autant imposer un ordre hors contexte. L'expérience montre en effet que le projet doit s'adapter aux ressources accessibles et aux contraintes et opportunités qui se présentent. De plus, dans une période où le design s'investit de plus en plus dans l'arène sociale et politique, nous avons développé une nouvelle approche, les pratiques transformatives (C. C. M. Hummels et al., 2019), qui justement reprend cette idée de discuter la pratique au travers d'activités tout en incluant des notions liées entre autres à la participation sociale et à la complexité. Ces approches ne prescrivent ni séquence ni réelle limite aux activités, si bien que la pratique ainsi décrite peut paraitre à la fois déstructurée et omnipotente. Mais c'est justement au travers de l'une des dichotomies proposées par Redström - travailler avec des processus ouverts et d'être profondément engagé à la méthode - qui expose la force de l'association contradictoire formée par la méthode et la pratique, celle d'une activité réflexive possible grâce au delta entre pratique et méthodes, qui invite justement à une réflexion transformative, et donc apprenante, de la pratique du design. C'est donc là la seconde conclusion de ma présentation aujourd'hui : Les méthodes et !es activités forment donc une dichotomie en design. C'est au travers de cette dichotomie que la pratique du design s'établit, au travers d'une réflexion transformative et apprenante de la pratique. Bibliographie Blackler, A., Swann, L., Chamorro-Koc, M., Mohotti, W. A., Balasubramaniam, T., & Nayak, R. (2021). Can We Define Design? Analyzing Twenty Years of Debate on a Large Email Discussion List. She Ji: The Journal of Design, Economics, and Innovation, 7(1), 41-70. https://doi.org/10.1016/j.sheji.2020.11.004 Design Council. (2019). What is the framework for innovation? Design Council's evolved Double Diamond. Design Council. https://www.designcouncil.org.uk/news-opinion/what-framework-innovation-design-councils-evolved-double-diamond Dorst, K. (2015). Frame Innovation: Create New Thinking by Design. MIT Press. Hummels, C. C. M., Trotto, A., Peeters, J. P. A., Levy, P., Alves Lino, J., & Klooster, S. (2019). Design research and innovation framework for transformative practices. In Strategy for change (pp. 52-76). Glasgow Caledonian University. Hummels, C., & Frens, J. (2009). The reflective transformative design process. Proceedings of the 27th International Conference - Extended Abstracts on Human Factors in Computing Systems CHI09, 2655-2658. https://doi.org/10.1145/1520340.1520376 Lévy, P. (2018). Le temps de l'expérience, enchanter le quotidien par le design [Habilitation à diriger des recherches]. Université de Technologie de Compiègne, France. Lévy, P. (2019). Designing for the everyday through thusness and irregularity. Proceedings of the International Association of Societies of Design Research Conference 2019, IASDR19. International Association of Societies of Design Research Conference 2019, Manchester, UK. PHD-DESIGN List. (n.d.). Retrieved 4 December 2021, from https://www.jiscmail.ac.uk/cgi-bin/webadmin?A0=PHD-DESIGN Redström, J. (2017). Making design theory. MIT Press. events 18 novembre 2021 2021-11-18T10:30:52+02:00 Le 18 novembre ont eu lieu au CNAM une série d'interventions de professionnels de la création à destination des étudiants des trois parcours de DNMADe et des Terminales Bac STD2A. Que signifie créer, inventer, innover aujourd'hui ? Dans un monde saturé par les nouveautés, que peut encore apporter le designer ? Quels sont les moteurs de la créativité ? Quelle place accorder aux technologies actuelles ? Les techniques traditionnelles ou ancestrales ont-elles encore un rôle à jouer ? L'innovation peut-elle se faire « à tout prix » ?… Cette journée aura été l'occasion de réfléchir au sens et aux enjeux de la création, de l'invention et de l'innovation. Elle à invité à questionner les concepts, mais aussi les démarches et mises en œuvre de pratiques innovantes dans un monde agité par des urgences écologiques et des interrogations sociales pressantes. Intervenants :9h30 : Gaëlle Periot-Bled, enseignante chercheuse, chaire d'Esthétique, Paris IV - Sorbonne10h15 : Laurent Ungerer, graphiste, agence C-Album (Paris)11h : Pierre Lévy, enseignant chercheur, chaire de design Jean Prouvé, Cnam11h45 : Marlène Huissoud, artiste, designer14h : Anne Berthinier-Poncet, enseignante chercheuse, chaire de management de l'innovation,Cnam14h45 : Matthieu Mevel, écrivain (dernière publication : Un Vagabond dans la langue, Gallimard)15h30 : Emmanuelle Leleu et Julien Hazebroucq, illustrateurs

Introduction First, I would like to thank Stephan Wensveen for the organisation and for making this day a such a special one, from start to end (although who knows how it will end…). I am very glad to be here. It is an honour to participate to this symposium, and to have the role of opening the series of presentations. It is also a challenge I must say. Kees has been enriching the life of many of us, and I believe many of us would have something valuable to tell based on sharing experiences with Kees. I am very conscious of this privilege. Times ago, discussing this symposium with Stephan, the idea was to have one eye looking back at what Kees brought to us and hoped for the design community, and to have the other eye on the future trying to tell our current students, to remind our alumni and ourselves some aspects Kees carried through his work, that we may bring further. I have the honour and the challenge to operate this eye gymnastic and to share with you today what I see. Contemplating the impossible Today, in this speech, I will try not to bore you with details of the inaugural lecture of the late Prof Kees Overbeeke, “The Aesthetics of the Impossible”, that he gave in 2007, 11 years ago in exactly a week. Today offers an occasion for me to bore you with a contemplation of some of the key ideas raised during this lecture, and to contemplate them from where and when I stand today. And much have happened in between. Today is also for me the occasion of getting bold again in the tradition of DQI. For the ones who hoped this was the past, bear with me and I’ll promise I will try to be soft. For the ones who miss it at times, hope you can enjoy. For the ones who did not meet Kees, I would like to briefly introduce him. Late professor in our department of Industrial Design, Kees had a significant impact on the design and CHI communities all over the world, especially on the topics related to embodiment in design for interaction. But that would not tell much about the guy, by far. If he is remembered and celebrated in such a way as today, is because his ideas, his generosity, his friendliness and appreciation to all, impacted many individual lives, many of us both intellectually and humanly. He is, for many, one of these very few people that significantly meant something to us. He is a moment in the development of thoughts and attitudes. His inaugural lecture was entitled “the aesthetics of the impossible”. The notion “impossible” demands here a little clarification, which is to me twofold: Aesthetics, which is the core of design for interaction is ungraspable. It is only when and where it happens, in the here and the now. And then it is gone, suddenly as it happens. It is unique and impossible to grasp. Standardisation is impossible and actually not wished, as it would lead towards an extreme level of boredom and dissatisfaction. Systematic research is difficult but should be challenged. Impossibility is also in the complexity we encounter in design: that is, in the variety of disciplines our students are facing (challenging skills, knowledge and practices), and in the inherent complexity of interaction and of experience. To address this impossibility, design approaches require a greater balance between making and thinking (supported by reflection on action, which I will address again later). Therefore today, to contemplate the impossible, I will especially focus on three aspects: believes, teaching and research, making and thinking. And I will do so by freely mixing what Kees said (at least the way I understand it) and by my reflection on it. For the flow of my discourse, I will often borrow from Kees’s inaugural lecture without systematically mention it. Contemplating believes Kees explains: Every scientist, as well as every designer, has a body of knowledge, as well as a galaxy of believes (that is my wording). Knowledge is established through research activities and transmitted through teaching. It is about how things are. Believes contribute to envisioning how things ought to be. They result from philosophy, intuition, awareness, experience, from our being-in-the-world, in a giving culture, in a giving timeframe. Believes are guides for where we go, where we look, we what we do, and what strikes us. They condition our engagements, our motives, our stance and our actions in the world. Less than a month ago, Bill Buxton, lecturing here at TU/e, was reminding us the importance, and actually the necessity of having a compass and a horizon in design practice and design research. It is essential for good design (given that this design intends to contribute to the making of a better world). In the current context where the most striking thing we know is that we do not know where the world is going, because of its complexity, because of challenges that we are aware of but do not fully comprehend, because of tensions we feel but that are not clear to our sight. This is made even more complex by our relation and use of technology: as we praise it and support its development and its use in society, yet questioning it at the same time. Knowledge and believes then are necessary in design practice, design education, and design research. A few believes that Kees mentioned during his inaugural lecture, are worth remembering: “Design is about people. It is about our life and dreams, about our loneliness and joy, our sense of beauty and justice, about the social and the good. It is about being in the world”. Meaning emerges in interaction and cannot be detached from action. This demands a primacy of embodiment and a primacy of action. Considering these two first points, a few consequences can be suggested here. The first two ones are also stated by Kees: A design theory must be a theory of action (and I would add of transformation, which I will discuss later). This theory should focus on embodiment in the first place, and on meaning in the second place. Reflection in/on and for action is a source of knowledge and a creator of new and valuable perspectives on and for design, on and for the world. Design research and practice are powerful source of knowledge. As I will discuss it later, research and education should be highly interwoven. To these two considerations, I may add the following: Design research is not solely an applicative research but contains also, and actually is for a large part, a theoretical research, with the condition that we give space to it. Design theory, constitutive of design research, is a theory of action. If design would to be a science (in the modern sense of the term, which I have throughout the years got progressively to agree with), it would be a transformative science, as any other science with transformative outcomes, such as engineering or chemistry (when it tries to create a new molecule for example). Design is not a descriptive science, such as ethnography, physics trying to describe the phenomenon of gravitation, or chemistry trying to describe a natural chemical reaction. Design (being practice, education, or research) is about transformations, and is specific as it is about action, about people, and about ethics. Therefore, I would challenge any reduction of the world or the experience of it, to data. In this crucial moment, where data related technologies become so predominant, with incredible and promising outcomes, design practitioners and design researchers should obviously embrace such technologies, as well as not forgetting that the experience of the world is embodied, is affective, and symbolic. We are beings with a history, culture, ethics, visions and dreams. Contemplating teaching and research This is especially important when considering the necessity of aligning research and teaching. Kees reminded us clearly and simply the necessity to align both activities for the academic world. He told us: “expressivity, beauty and meaning are at the core of design”. In 1999, I (being Kees while in Delft) pointed out the mismatch between teaching and research. Research was about structural aspects of perception, and teaching was about beauty of interaction. I could not change the teaching, so I changed the research. “Emotion became important, which is not obvious as a research topic in the technical background that was then in Delft and now here.” The PhD of Stephan Wensveen is one of the first and a clear example of research work on emotionally intelligent products. Already then he noticed the challenge and the necessity of interacting in a continuous and simultaneous way with products (topic that was still challenged in the PhD of Jelle Stienstra just 2 years ago). Many related topics were then developed further in various ways throughout most PhDs executed in the DQI research group. And I am no surprised that Stephan today pushes the research further and focuses on questions related to the “aesthetics of the intelligence”. Recently, our students are facing a progressive increase of topics the design community is engaging in (design based on big data, A.I. and other learning algorithms, but also service design, social design…). All these increase challenges and complexity in their education and their future work. They also face a progressive increase of technological solutions at hand to make their designs. Now that teaching is challenged by many other topics (related to technology and society), I think It is important for us, as a leading academia in design, to keep focusing where our skills are: as we interact with data through interfaces, being either sensors or actuators… “how do these become meaningful and beautiful to us?” is our core question. Mastering data management (among others) is certainly important, however, providing meaningful, rich and beautiful interactions is the heart of design. This demands to care for human and their actual experiences as beings-in-the-world, and to keep design teaching and research focusing on this. Only then, when students will embody that by being curious, sympathetic and independent, only then they will embody and act the richness design may provide. Taking again the lines from Kees: “But the only way to develop curiosity, sympathy, principle, and independence of mind is to practice being curious, sympathetic, principled and independent. For those of us who are teachers, it isn’t what we teach that instills virtue, it is how we teach. We are the books our students read most closely” “Let us practice what we preach”. Let us care, through our teaching, what our students learn and become. Contemplating making and thinking The electronic and digital interfaces are loaded with buttons that demands little of our motor-perceptive skills, and too much of our cognitive skills. This situation leads to standardized and efficient interactions, as well as to boring and poor ones if we consider the human being in its entirety. Making simple buttons by default is, to my point of view, a triple failure: First, as we already mentioned it, it fails the possibility to provide beauty in interaction, beauty and care in the experience. It fails the heart of design. Second, it is defeating the idea that design is about challenges and only addressing these challenges will help, in the long term, to find novel, effective, rich and beautiful ways of interacting. Third, the button degrades our contact with the world. When there is no experiential relation between the activity of pressing a button and the functional and experiential consequences of doing so, there is also less space for grasping the world, that is for sensemaking. Proposing poor interaction solutions (by opposition of making rich interaction solutions), makes us designer and us users less to experience our being-in-the-world, and therefore inepter (or more moronic is you prefer). The button here is obviously only the archetype of a quick and easy decision making, yet leading to boredom, poverty in life experiences, and flattening both designers’ and users’ minds. Our design skills exploring possibilities of rich interactions are therefore not only a way to make user’s experiences and life better, but also a way to advance in design research: exploring through making (using design skills well), and reflecting in and on action is what design can do best, and contribute to the most in the world of academia in the first place, and in the world in the second place. Finally, as Kees reminded us, we need to keep in mind that we are too many that know, and not enough that make. Reflection on action should be the drive to push design practice and design research further. “in our effort to understand reality, we have been too much abstracted from it”. Contemplating transformation As mentioned before, design is about transformation, transformation of practices in societies and in our everyday life. Understanding reality, which means understanding our everyday life, is to transform it: Étudier la vie quotidienne serait une entreprise parfaitement ridicule, et d’abord condamnée à ne rien saisir de son objet, si l’on ne se proposait pas explicitement d’étudier la vie quotidienne afin de la transformer. Guy Debord Studying the everyday life would be an absurd undertaking, and anyway fated to catch nothing of its object, if studying the everyday life would explicitly be with the intention to transform it. Guy Debord And I would like to conclude with this notion of everyday transformation, being actually my research topic which I believe I have built partly on the considerations I have discussed today. Although this word, “everyday” is so much used in the world of design, addressing it is not as obvious as it seems, and is often actually avoided or subverted. As things become part of our everyday, a process called quotidianisation, they escape from our attention, giving us peace of mind. They stop questioning us, and we stop questioning them. This way, they progressively disappear from our awareness. Perec even speaks about amnesia, rather than lack of attention. What can be extraordinary when new, becomes infra-ordinary through the process of quotidianisation. Questioning the everyday requires exploring the infraordinary, which demands exploring tiny and often personal details that we are obviously not aware of in the first place. Exploring the everyday to transform it demands to get aware and to understand its most tiny details, which as Coyne & Mathers explain “often appear irrational from a third-person perspective, but most often rational from a first-person perspective”. Therefore, designing for the everyday demands a continuous and structuring dialog between an exploration at the first-person perspective, to create a rational, observing and transforming ones’ own everyday life to comprehend these rationales, and a third-person perspective that enables us to design for others. I have found the sensibility, the attention to tiny details and the beauty in the everyday in the Japanese culture and philosophy, from which I have elaborated a theoretical framework for designing for the everyday. This framework relies indeed on Japanese philosophers and thinkers, such as Nishida Kitaro or Yanagi Soetsu who through their work have pointed out where beauty relies in the everyday, as well as designers, such as Naoto Fukusawa and Kenya Hara who through their work have not only designed but also reflected on their making to show the values of paying attention to the everyday towards human and social elevation, and have made it existing in our societies all over the world, through companies such as Muji. Designing for the everyday is to me a clear example of what design claims to do, yet actually (and for now!) fails to do properly. The hope of making design research education and practice an actual unique and yet not isolated contributor to a betterment of our world, goes through a repositioning on what design can do best: focusing and creating meaning in interaction for people’s experiences, using at full reflection in and on action to make sense of the world as it is lived, making sure to enrich the beauty of our everyday life. All that stands in the way of abstraction, standardization. Contemplating the impossible To finish on Kees’s considerations: “It is our role, scholars and industrialists, to define a new project for design. We have to avoid remaining in a problem-solver perspective, and to wake-up and let grow the challengers that is in each of the designers we are educating.” We must dream, to give youngsters hope. Thanks to Kees for all this teaching, that even in challenging times remain constitutive of our design compass. La reconnaissance est la mémoire du cœur. Thank you events 19 octobre 2018 2018-10-19T10:30:52+02:00 Times ago, discussing this symposium with Stephan, the idea was to have one eye looking back at what Kees brought to us and hoped for the design community, and to have the other eye on the future trying to tell our current students, to remind our alumni and ourselves some aspects Kees carried through his work, that we may bring further. I have the honour and the challenge to operate this eye gymnastic and to share with you today what I see.

events 10 juin 2016 2016-06-10T22:02:04+02:00 Dans l’esprit de pluridisciplinarité qui a animé le worshop #illuminov – éclairage connecté lors de la semaine du 25 au 29 avril dernier, j’ai le plaisir de vous convier à la présentation de Pierre Lévy, assistant professor en design à l’Université de Technologie d'Eindhoven, qui se tiendra le vendredi 10 juin à la Pré-Fabrique de l’innovation à 14h30. Au travers de ses travaux de recherche, Pierre Lévy s’intéresse à l’implication des théories de la perception et de la phénoménologie, dans les domaines du design d’interaction (embodied interaction design) et du design Kansei (regard japonais sur la sensibilité et l’affectif) – sujet pour lequel il a été invité de nombreuses fois pour des conférences à l’internationale. Diplômé d’une thèse en science du Kansei de l’Université de Tsukuba au Japon, il est actuellement président-élu du Groupe Européen du Kansei (EKG). Lors de cette présentation, nous discuterons de l’approche en constructive design research, et la perspective qu’elle propose sur l’attention réciproque entre l’homme et l’artefact, et sur la notion d’”irrésistibilité” en design d’interaction. Cette approche ouvrira sur l’exploration menée par Pierre Lévy en “design de rituels”, qui se place à l’intersection du design kansei et et du design de systèmes. La présentation se construira autour d’exemples de projets concrets développés par l’Université de Technologie d'Eindhoven, susceptibles d’intéresser tout autant les chercheurs que les praticiens du design. L’intervention et les échanges se feront en français. Fabien Labarthe (IRAM-Télécom Saint-Etienne, Laboratoire Elico, Centre Max Weber).

events 03 décembre 2013 2013-12-03T21:39:49+01:00

events 19 novembre 2013 2013-11-19T21:29:03+01:00